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XIX NOCHES EN LOS JARDINES DEL REAL ALCÁZAR DE SEVILLA / Conciertos del 2 al 7 de Julio
Día 2/7, lunes
Otras Músicas
Ahlam
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“Una artista excepcional, una voz maravillosa” / Plácido Domingo
“El cálido y prometedor grupo NES” / Radio 3, Juan Pablo Silvestre.
“NES, este trío que nace en Russafa, Valencia, España, sin límites sonoros ni geográficos (…) deja al público con la boca abierta y el vello erizado.” / Radio 3, Emilio Garrido.
NES nace en en Valencia 2015 de la unión de tres músicos de diversas procedencias: Nesrine Belmokh, cantante y violonchelista franco-argelina (Opera de Valencia, Circo del Sol, Orquesta West Eastern Divan de Daniel Barenboim), Matthieu Saglio, violonchelista francés (‘el cello de los mil acentos’, co-fundador de Jerez-Texas) y David Gadea, percusionista valenciano (colaborador de Sole Gimenez, Josemi Carmona o Ximo Tébar). Desde entonces NES ha recibido los elogios del público y la crítica en escenarios como el Círculo de Bellas Artes de Madrid, la Sala Jamboree de Barcelona, el Palau de la Música de Valencia, el Festival de Verano de Cádiz, el Festival Polisònic de Gandía o el Festival Folk Segovia, o internacionalmente en el Festival des Suds en Arles y el Printemps des Suds en Vence, en Francia, la Usina del Arte en Buenos Aires y el Festival Mittelfest en Italia.
Tres almas creativas, tres artistas excepcionales, tres personalidades. Tres músicos que unen sus talentos a orillas del Mediterráneo, en Valencia, España.
El sonido NES surge de la exploración de las raíces y experiencias creativas de sus integrantes. Sus canciones en inglés, árabe y francés, llenas de elegancia y emoción, abarcan desde el jazz al clásico, la música árabe o la canción francesa.
Su primer disco ‘Ahlam’ (‘sueño’ en árabe), grabado y mezclado en La Buissonne (Francia), se presentó en abril 2018 con el mítico sello alemán ACT.
En septiembre del 2018, el grupo estrenará su disco en la Filarmónica de Berlín como continuación de su gira europea que pasará también por Holanda, Rumanía, etc.
Día 3/7, martes
Músicas del Mundo
Una venta al Mediterráneo
Ciclo: Voces de sal
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Mashrabiya es un proyecto fundado en Sevilla en 2017 que aborda repertorio tradicional de distintos países del Mediterráneo y Cercano Oriente así como obras clásicas de la música Árabe. Este proyecto surge de un encuentro musical, multicultural y mestizo, en el que el laúd y el clarinete se hunden en la aguas del Mediterráneo. Ese será el inicio de un proceso de búsqueda de sonoridades, de matices, de cadencias, con sabor al Medio Oriente, donde clarinete y laúd son arropados por la calidez de la madera del violonchelo y la cadencia rítmica de la percusión. Mashrabiya nos ofrece un conjunto de piezas desde Siria hasta Andalucia, arregladas por el propio grupo, en el que van desgranando diferentes estilos y formas propias de cada región.
Mashrabiya es una travesía sonora que parte de Medio Oriente y recoge, en su travesía hasta Andalucía, danzas y cantos tradicionales del Mediterráneo, desde Siria, a través de Turquía, Grecia, Argelia, Túnez y con puerto final en Andalucía. Mashrabiya es una ventana sonora al Mediterráneo.
Día 4/7, miércoles
Música Clásica
De la melancolía a la alegría (Obras de Schubert y Borodin)
El Cuarteto D´Acorda nace en el seno de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Sus integrantes, dos de ellos miembros fundadores de dicha emblemática institución desde sus inicios, proponen una idea de música de extraordinaria belleza interpretada con la más alta calidad, fruto de la experiencia y la motivación. El elemento de unión, evidentemente la música, se ve reforzado por la excepcional trayectoria de ellos tanto en solo como en conjunto. Proyecto tras proyecto, los cuatro integrantes del Cuarteto D´Acorda son capaces de demostrar su complicidad a través del arte musical, con las más altas exigencias de técnica, clase y estilo. En su conjunto, la riqueza multilingüística y cultural se ve reflejada en cada obra a interpretar, sea Schubert o Borodin, Strauss o Piazzolla. Cada uno de los cuatro músicos posee una extraordinaria trayectoria, que en conjunto desemboca en un producto de altísima categoría, respaldado por la calidad y el conocimiento. Una gran cantidad de obras camerísticas está en su dominio. Los integrantes del grupo tienen en su haber numerosos conciertos de música de cámara con obras de Tchaikovsky, Fauré, Shostakovich, Stravinsky, Milhaud, Mozart, Beethoven, Turina, Brahms, Schubert, y un largo etcétera. Entre los proyectos futuros del Cuarteto D´Acorda están varios conciertos en Sevilla, en Marbella, Dubay, etc.
El Cuarteto de cuerda nº 14 en re menor de Schubert, conocido como “La muerte y la Doncella”, es “uno de los pilares del repertorio de la música de cámara”. Compuesto en 1824, después de que el compositor sufriera una grave enfermedad y se diera cuenta de que estaba muriendo, es el testamento de Schubert a la muerte. El cuarteto se llama así por el tema del segundo movimiento, que Schubert tomó de una canción que escribió en 1817 del mismo título.
Borodin compuso el cuarteto nº 2 en 1881 dedicándolo a su esposa por el aniversario de su boda. El primer movimiento está escrito en forma de sonata. Los dos temas principales de la exposición que cantan el violonchelo y el violín son líricos y amorosos. El segundo movimiento scherzo también tiene forma sonata, en lugar de la forma ABA que es más habitual para este tipo de movimientos. Asimismo es notable la aparición de un scherzo como el segundo movimiento, en lugar del tercer movimiento, que es más habitual. El tema principal del tercer movimiento, el Nocturne, interpretado en arreglos de orquesta de cuerdas es quizás el más famoso del cuarteto. El movimiento final, basado en un tema del folclore ruso, demuestra el dominio del contrapunto del compositor, presentando el tema principal como un diálogo entre los dos violines y la viola y el chelo.
Día 5/7, jueves
Músicas del Mundo
Sefarad
Ciclo: Voces de sal
Liona & Serena Strings surge en el año 2013 y desde entonces ha realizado dos principales proyectos musicales. El primero llamado “Chimes” es una mezcla de distintas músicas del la antigua España, de África, Brasil y de temas propios, que no dejaba impasible al oyente, sino que lo transportaba a un lugar pluri-cultural lleno de efectos estilísticos clásicos. En Octubre 2014 graba en directo su primer disco editado “Chimes” en el Museo Corominas de Estepona, Málaga. Siendo hebrea viviendo en España, Liona lleva el grupo hacia lo que es su esencia musical y enfoca en la música hebrea y judía originada en España y la península Ibérica, creando juntos el nuevo proyecto y álbum “Sefarad”. En 2017 el nuevo proyecto entra en la programación de la Junta de Andalucía y se presenta en teatros y castillos de la comunidad autónoma.
“Sefarad” es un espectáculo que llega al corazón a través de los oídos. Liona & Serena Strings (afincada en Cádiz) combina la música Sefardí con composiciones propias de Piyutim -textos religiosos y filosóficos Hebreos escritos a lo largo de dos mil años de diáspora-, todas originarias en la península Ibérica una vez llamada “Sefarad”. Arreglos contemporáneos (pero influidos por la música clásica), que combinan el cello, el violín y la guitarra por un lado, y la percusión Árabe-Oriental-Flamenco y el bajo por el otro, para lograr un perfecto sonido mixto que despierta sensaciones y te transporta a otra época.
Una compilación de músicas de distintas generaciones a lo largo de la historia hebrea en España medieval. Los “Piyutim” son textos espirituales y filosóficos hebreos escritos a lo largo de 2000 años de diáspora, desde que se derribó el segundo templo en Jerusalén y los judíos fueron expulsados. Estos textos fueron escritos y usados en las oraciones y para añorar Sión (la tierra de Israel). Los textos elegidos para este concierto son de la Era Dorada desde 700 a 1490 DC originarios en tierra Ibérica.
La Música Sefardí, creada por los judíos que vivían en la península Ibérica llamada Sefarad antes de la Reconquista. El idioma Sefardí (“Ladino” en hebreo) se caracteriza por la mezcla del español antiguo con los idiomas del imperio Otomano, del norte-africano (a donde huyeron los judíos expulsados de Sefarad) y el hebreo. La Música Sefardí se mantuvo viva desde entonces hasta hoy pasando de generación a generación verbalmente.
Este concierto entrelaza la esencia musical de la España medieval (Castilla, Aragón y Andalucía) con la del resto del mundo, a través de los caminos creados por los nómadas hebreos.
Día 6/7, viernes
JAVIER COMESAÑA / MATTEO GIULIANI
Música Clásica
El paso del tiempo a través de la música (Obras de Brahms y Lekeu)
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Dos jóvenes intérpretes de gran futuro se presentan de la mano de Brahms y Lekeu. Javier Comesaña se ha formado con el profesor Yuri Managadze, de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, y con el maestro Sergey Teslya. Matteo Giuliani empieza a tocar el piano a los 8 años y a los 12 debuta en el Auditorio Nacional de Madrid.
Ambos músicos coinciden en su periodo de formación en Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid. En calidad de alumnos forman parte del Grupo Schumann de Enagas, creado en el curso 2010-2011, donde reciben clases de música de cámara de la pianista húngara Marta Gulyas, profesora de Grupos con Piano del Instituto Internacional de Música de Cámara de Madrid. La agrupación realizó su debut el 6 de junio de 2011 en el Auditorio Sony de Madrid, dentro del Ciclo Da Camera, donde también actuó un año más tarde para conmemorar el 40 Aniversario de Enagás. En 2012 tocó en el Centro Cultural Nicolás Salmerón de Madrid y en 2013 en el Palacio del Marqués de Salamanca, dentro del ciclo Primavera Fundación BBVA. Tras esa experiencia, ambos intérpretes, deciden embarcarse en un prometedor dúo que da sus primeros pasos.
Los años no pasan en balde… Este popular dicho es aplicable a cualquier ámbito de la vida, también a la creación musical. El propósito de este programa es recorrer a través de la música de cámara este ciclo vital creativo, de la juventud a la madurez. Aprovechando la noche que alberga el concierto de hoy, realizaremos este recorrido a la inversa, del crepúsculo de la madurez al amanecer de la juventud; y lo haremos con dos compositores que compartiendo tiempo, uno en plena madurez y otro aún niño, representan perfectamente este paradigma: Brahms y Lekeu. Mientras que el genio alemán Johannes Brahms escribió su segunda sonata para violín y piano en su última etapa (que pasa por ser de las páginas más hermosas del autor), tras haber escrito y vivido mucho, lo cual dota a esta obra de una gran madurez; por otro lado tenemos a Guillaume Lekeu, último alumno del gran compositor franco-belga César Franck, cuya Sonata en Sol Mayor rebosa de una pasión y una intensidad fruto del inherente ímpetu que suelen tener los más jóvenes. Curiosamente, la estructura cíclica de esta Sonata nos permite comprender esta obra como una metáfora del paso del tiempo: los temas que van repitiéndose a lo largo de la obra representan las distintas situaciones que se nos presentan a lo largo de la vida, y el simbólico final, que es exactamente la misma música que da comienzo a la Sonata, como si de una vida se tratase, con su principio y su fin. Paradojicamente, la sonata finaliza envuelta en una alegría desbordante, con un carácter triunfal y apoteósico, mientras al principio, exactamente la misma música se presenta de una forma introspectiva, más íntima y soñadora. Como del dia a la noche, para volver a empezar.
Día 7/7, sábado
ANTONIA FERNÁNDEZ / RIKI RIVERA
Flamenco
Lo que pida la luna
El dúo formado por Antonia Fernández y Riki Rivera se presentan en exclusiva en 2018 en el ciclo Noches en los Jardines del Real Alcázar de Sevilla, como respuesta de la inquietud artistica de la cantaora almeriense. Antonia (Toñi Fernández para el arte flamenco) nace en el seno de una familia gitana con gran afición al arte jondo. Comienza a cantar a temprana edad siguiendo los pasos de sus hermanos, recorriendo numerosos escenarios de peñas, tablaos, pero su nombre empieza a conocerse al hacerse con el primer premio en el X Concurso Andaluz de Jóvenes Flamencos. En 2012 graba su primer disco “Dame la mano” rodeada de colaboradores como, Pedro Sierra, Diego del Morao, Jesús del Rosario o Ricardo Rivera (Riki Rivera para el arte, sin etiquetas). El gaditano Riki Rivera es un personalísimo artista que derrocha el arte que sólo otorga el Barrio de la Viña. También guitarrista flamenco de profundo conocimiento, que desde que empezara con la Compañía Andaluza de Danza de la mano de Javier Latorre, ha dado discretamente pasos de gigante en una carrera brillante. Su versatilidad en el arte le valió un Goya en 2015, por la canción “Niño sin miedo”, junto a India Martinez y David Santisteban. De la mano de este último, el dúo emprende una colaboración que seguro abrirá nuevos horizontes artísticos.
Los artistas no sólo tienen la necesidad de reproducir, los artistas tienen la necesidad de crear. En este momento y después del bagaje como cantaora de Antonia Fernández y de Riki Rivera surge el deseo de exponer un repertorio nuevo y dinámico, donde jugar con músicas flamencas antes no experimentadas por ella y llevarlas a un plano actual. El repertorio es un traje a medida a sus necesidades artísticasdonde ellos pueden expresar lo que llevan dentro, haciendo partícipe al público de sensaciones y momentos que solo el flamenco puede aportar. No hay artificios, no hay edulcorantes, solo flamenco. No puede ser de otra manera, una flamenca de verdad, exponiendo y entregando cante, para todo aquel que guste de experimentar de una voz añeja en un cuerpo joven, una sapiencia cimentada en una base familiar y perfeccionada con el trabajo constante durante años de profesión.
